LEZIONE 4 - Sfruttare la composizione (free)

La composizione come strumento creativo

Per essere efficaci nel comunicare un messaggio attraverso le nostre immagini, dobbiamo aver chiare quelle che sono le potenzialità espressive a cui abbiamo accesso attraverso il mezzo che abbiamo deciso di utilizzare.

Una fotografia ci parla attraverso la luce, che si traduce in tre elementi chiave:

• quali soggetti sono rappresentati e quali sono i rapporti tra questi soggetti
• i contrasti di luminosità che intercorrono tra i diversi soggetti e all'interno di ciascuno di loro
• i toni cromatici che caratterizzano ognuno dei soggetti e gli spazi che li separano

Nell'insieme, la combinazione di questi elementi prende il nome di quella che chiamiamo "composizione".

In rete troverai mille tutorial e suggerimenti sulle "regole" da seguire (e poi rompere) per realizzare foto efficaci.

Il mio consiglio spassionato è di seguire quei suggerimenti, se questo ti fa da stimolo per scattare molte fotografie. Quello che conta davvero è l'esperienza:

1. L'esperienza nel fare fotografie (e valutarne criticamente il risultato)
2. L'esperienza nell'osservare fotografie (e vedremo presto come leggerle con occhio critico)

Qualunque percorso ti porti a questo risultato è valido.

• Se applicare le regole classiche ti spinge a fare più foto e a guardare con più attenzione gli scatti dei grandi (o meno grandi) va benissimo.
• Se partecipare ai concorsi fa da traino per portarti più spesso a scattare, va bene allo stesso modo.
• Se non senti il bisogno né dell'una né dell'altra cosa, purché tu esca comunque a scattare, puoi fartene una ragione senza troppi rimorsi.

Nelle righe che seguono troverai invece una breve summa di quelli che - secondo me -  sono gli elementi fondamentali che devi imparare a valutare nelle tue foto (e a cogliere in quelle degli altri) per far fare un salto di qualità all'espressività delle tue fotografie.

L'inquadratura

Tra tutti gli strumenti a disposizione del fotografo, forse il più importante è la costruzione dell'immagine, come i vari elementi sono disposti all’interno del campo inquadrato. Insomma, l’inquadratura.

Sembra banale, ma la scelta più importante che devi fare è cosa non inserire nella tua fotografia. Questo, il più delle volte, cambia radicalmente il senso stesso dell’immagine.

Ti faccio un esempio banale, ma vero.

Qualche anno fa, sono andato a visitare in Toscana un bellissimo ponte a schiena d’asino di epoca medievale.

In alcune fotografie che mi era capitato di vedere su una nota rivista, il ponte scavalcava un torrente, ed era circondato da pioppi e salici mentre sullo sfondo una serie di dolci colline segnava l’orizzonte.

La scena sembrava davvero promettente, e così ho affrontato il viaggio per visitare la zona. Ma arrivato sul posto, ho scoperto con mio rammarico che tutt’intorno al ponte c’era un’area artigiana con capannoni, piccole ciminiere e alcuni magazzini decisamente orribili.

Il fotografo aveva “ritagliato” l’inquadratura in modo da escludere il degrado, dando l’idea di un posto integro.

Chissà quante volte sarà capitato anche a te di andare in un posto di cui avevi visto delle foto e trovarlo decisamente diverso da quel che ti aspettavi! Questo è il potere dell’inquadratura. Come ti accennavo quando ho parlato del’Iceberg di Hemingway, quel che della foto non si vede spesso è più importante di quel che la foto mostra!

Prova a utilizzare lo stesso principio in senso creativo:

1. presta attenzione a quel che metti dentro e a quel che lasci fuori dall'inquadratura.
2. fai occhio all'angolo da cui inquadri. Se inquadri dal basso tenderai a trasmettere autorevolezza, imponenza, dominio, al soggetto. Se al contrario lo inquadri dall'alto tenderai a metterlo in una condizione di sudditanza e passività.
3. previsualizza lo schiacciamento bidimensionale dell'immagine che stai per produrre. Un innocuo elemento sullo sfondo può uccidere la tua foto quando in due dimensioni sembra che esca dalla testa del soggetto principale.

L'importante è che tu tenga sempre ben presente qual è l’idea, il concetto che intendi esprimere.

Per farti un'idea di quanto possa essere immediato realizzare una foto "che funziona" una volta che sia chiaro l'intento comunicativo che ti smuove, prova a vedere questo caso di realizzazione di una copertina per un libro.

Come sempre lo ritroverai poi anche in appendice al corso.

Sei padrone del tuo mondo, almeno del mondo che vedi nel mirino o nel monitor della fotocamera: lì sei il deus ex machina assoluto. Decidi tu, e devi farlo in modo consapevole.

Per riuscire a farlo in modo efficace, per prima cosa devi prestare attenzione.

Il sistema occhio-cervello ha una grandissima capacità di concentrare l’attenzione su ciò che gli interessa e di non vedere affatto quel che invece non gli interessa.

Ma la fotocamera non può farlo. La luce che impressiona il sensore è democratica, schiaccia tutto allo stesso livello. Ed è per questo che è tuo compito aiutare l'occhio dell'osservatore a percepire una gerarchia nella tua composizione.

Se tu inquadri tua moglie o tuo marito, l’occhio (il tuo occhio) tenderà a vedere semplicemente la persona, il suo volto. La fotocamera invece registrerà in modo crudele il palo che sembra uscire dalla sua testa, il cestino dei rifiuti al suo fianco, il tizio che sbuca dietro, eccetera.

Vale anche per i paesaggi: estasiati dalla scena che abbiamo davanti, non ci accorgiamo della busta di plastica appesa al ramo di un albero, dell’automobile parcheggiata lungo la strada, dei fili elettrici che passano sul cielo. Questo perché non li vedi, concentrato come sei a riprendere quel che ti attira.

Devi acquisire la capacità di vedere tutto, e di scegliere cosa lasciare e cosa eliminare.

Perciò, quando inquadri, costringiti a percorrere tutta la scena, guarda se c’è qualcosa che non va e poi scatta. Oggi col digitale puoi facilmente ripetere la foto, è vero, ma se la scena è momentanea, questo è impossibile.

Pensa a tanta Street Photography, in cui si riprende il tizio che passa precisamente sotto il tabellone pubblicitario creando un contrasto divertente. Hai solo un’occasione, e devi essere pronto e attento.

Togliere ti aiuta a ottenere un'immagine efficace intervenendo a più livelli:

1. Togliere semplifica la gestione della scena
2. Togliere rende più facile all'osservatore capire la tua immagine
3. Come vedremo tra poco, togliere ti permette di sfruttare gli spazi vuoti per dare respiro all'immagine e per "far uscire" gli elementi che ritieni davvero importanti

Soprattutto per chi inizia, l'impulso è spesso diametralmente opposto: aggiungere. Aggiungere particolari per arricchire la scena, aggiungere elementi "decorativi", aggiungere nell'illusione di riuscire a includere tutto.

Sforzati di non farlo, a meno che non sia strettamente funzionale al tuo progetto.

Ma, se nonostante tutto, succede anche a te di trovarti a fare miriadi di foto "sovraffollate", non ti preoccupare. La capacità di sintesi è qualcosa che si impara.

L'importante è fare tanta tanta pratica. E non perdere di vista l'obiettivo.

Equilibrio e dinamica

Definito che cos'è che vuoi includere nella tua immagine, il passo successivo è decidere come disporre i soggetti all'interno della scena.

Qui entrano in gioco due concetti principali:

• L' equilibrio - devi tenere in conto che ogni elemento grafico all'interno di un immagine è caratterizzato da un certo "peso". A seconda di come i pesi sono distribuiti nella scena, l'immagine risulterà più bilanciata, armonica, stabile, rassicurante oppure più instabile, anomala, carica di tensione, inquietante.
• La dinamica - la composizione di forme e linee che caratterizzano la scena può conferire una sensazione di stabilità, staticità e tranquillità, o al contrario una percezione di equilibrio precario, dinamicità, tensione.

La gestione dell'equilibrio

L'idea del peso grafico nelle arti figurative e tutt'altro che nuova. Fin dall'antichità, l'artista figurativo è stato guidato dalla ricerca dell'armonia e dell'equilibrio.

Puoi leggere interi trattati sul tema, ma il principio di fondo  è che ogni elemento all'interno della tua immagine è caratterizzato da un peso grafico che è direttamente proporzionale a:

• la sua dimensione
• il suo contrasto rispetto allo sfondo (di luminosità o tono cromatico)
• la sua nitidezza
• la ricchezza della sua texture
• la temperatura di colore, la sua saturazione - i colori caldi "pesano" di più; i colori saturi "pesano" di più
• la sua posizione, ovvero la vicinanza rispetto ai bordi - ti sembra incredibile? e invece è proprio così. prova. se metti un soggetto vicino ai bordi il suo "peso" nell'immagine aumenta. Aumenta ancora di più se lo tagli con il bordo.

Sfruttando queste caratteristiche, possiamo comporre un'immagine in cui i pesi siano distribuiti in modo equilibrato all'interno dell'inquadratura oppure, al contrario, possiamo trasmettere un senso di sbilanciamento e instabilità.

La ricerca dell'armonia perfetta che ha dominato la scena della ricerca nelle arti figurative ha portato a una lunga tradizione di tentativi di formalizzazione dell'equilibrio rappresentativo. Da qui, la fotografia, ultima nata, può attingere a piene mani.

E' così che sono nate varie regole empiriche, di uso pratico, consolidate in anni di pratica fotografica. Sono certamente utili come primo approccio, ma poi vanno sempre tenute “sullo sfondo”. Esistono, ma vanno dimenticate, tranne poi riesumarle al momento opportuno.

La regola dei terzi è la più diffusa, al punto che molti monitor e mirini di fotocamere digitali sono forniti di linee già predisposte per inquadrare tenendone conto.

La scena viene suddivisa in tre terzi verticali e tre orizzontali, il che porta a identificare quattro “punti di forza” dove può essere collocato il soggetto principale, quello che “guida lo sguardo”.

Si tratta di una semplificazione della “sezione aurea” dell’arte classica.

Certo, non voglio arrivare a proporti, come fa qualcuno,  la regola dei decimi, in cui l’immagine è divisa in 10 linee verticali e 10 linee orizzontali, il che porta a ben 100 riquadri, al cui interno vanno collocati i singoli elementi.

Si possono ideare infiniti esercizi, trucchi e tecniche variate sul tema.

La verità però è che si può imparare a realizzare delle inquadrature efficaci solo studiando le foto altrui (ma di fotografi bravi!) e facendo pratica diretta. Verificando con calma, dopo, a casa, se le nostre foto funzionano, o meno.

Dinamismo e stabilità

Tra gli elementi che ti suggerisco di provare a notare nelle tue foto e in quelle altrui, ce ne sono alcuni che hanno a che fare con la sensazione di movimento e tensione, per quanto una fotografia per definizione sia statica.

In particolare, ti invito a fare caso a come tutte le forme geometriche che tendono all'orizzontale tendano a conferire un tono di stabilità e staticità all'immagine, mentre tutte gli slanci verticali, e ancora più quelli diagonali, tendano a comunicare instabilità e dinamismo.

E' per questo che molte fotografie sportive sfruttano inquadrature "storte": l'inclinazione dell'orizzonte per sua stessa natura ci comunica una sensazione di urgenza e di dinamismo. Una forma di equilibrio precario e instabile.

Allo stesso modo, tutte le forme geometriche con un vertice orientato verso il lato inferiore dell'immagine comunicano instabilità, mentre quando un poligono "poggia" su una base larga comunica equilibrio, relax, stabilità.

Per questo, ogni scusa sarà buona per raggruppare più soggetti a determinare una forma geometrica, vera o presunta:

• somiglianza
• vicinanza
• disposizione regolare

Ognuna di questi motivi di aggregazione stimolerà l'occhio a percepire un gruppo di soggetti come una forma più o meno definita. A questa, a sua volta, puoi applicare tutte le regole che abbiamo detto sopra.

La combinazione di equilibrio e dinamica può diventare uno strumento potentissimo al servizio del fotografo che sappia come usarle.

Luce e colore

E' intuitivo immaginare che una stessa fotografia, scattata a orari diversi della giornata, possa esprimere sensazioni diverse.

Questa foto fatta poco prima dell’alba, sfrutta la cosiddetta “ora blu” (che è disponibile solo due volte al giorno, all’aurora e al crepuscolo), per esprime una sensazione malinconica (la musica “Blues” non si chiama così a caso!), di fresco se non di freddo. Attendendo circa mezz’ora, si può poi realizzare quest’altra foto.

Nonostante l’inquadratura sia la stessa, la scena sia identica e l’unica cosa ad esser cambiata sia la luce del sole appena sorto, le sensazioni che la foto provoca sono nettamente diverse, ne converrai.

Dunque la scelta del momento del giorno in cui scattare può essere fondamentale.

L’ uso psicologico che è possibile fare dei colori stessi (ma anche nel bianco e nero è possibile “virare” le immagini) rappresenta un aspetto importante della pratica fotografica.

Possiamo sfruttare la luce per suggerire un’idea, un’atmosfera, un’emozione. Come fotografi dovremmo tornare a pensare al colore in modo che rafforzi e sottolinei il messaggio contenuto nelle nostre immagini!

La “teoria dei colori”, a cui si applicò già Goethe, è molto utilizzata dai pubblicitari e in genere nella grafica. Eccone una versione semplificata, ma utile:

• Bianco – Indica luce, purezza, bontà, pulizia
• Nero – Non è solo “l’alter ego” del bianco (indicando dunque cattiveria, sporcizia e buio), ma anche il colore elegante per antonomasia, e indica serietà
• Giallo – E’ il colore della felicità, esprime calore, vicinanza umana
• Rosa – Oltre a essere un classico colore “femminile” (almeno in Occidente), esprime dolcezza, delicatezza, e anche amore
• Rosso – Esprime attenzione e pericolo nella segnaletica, ma anche forza, energia
• Arancione – E’ uno dei classici colori caldi; i pubblicitari lo usano spesso perché stimolerebbe la propensione all’acquisto…
• Viola – E’ il colore della spiritualità, della religione, della dignità ma anche, stranamente, della vanità
• Marrone – Indica amicizia e vicinanza spirituale, e anche benessere. Col verde è il colore della natura
• Blu – Colore preferito dalla maggioranza delle persone, è un colore che esprime sicurezza, calma, senso di responsabilità
• Verde – Oltre a essere il colore della natura, della freschezza, esprime anche la speranza.  A volte viene accostato al denaro: è un concetto che viene dagli USA, dove i biglietti da un dollaro sono appunto stampati nelle tonalità del verde.

Più in generale, fai caso a come si possa sfruttare sia l'armonia che il contrasto di tono, ma anche luminosità, possono essere sfruttati per connotare emotivamente le tue immagini.

Nota per esempio come la durezza dei contrasti di molta fotografia di reportage in bianco e nero tenda a sottolineare la crudezza delle scene che vengono riprese o, al contrario, come la luce morbida usata nelle riprese di nudo sia funzionale a trasmettere la sinuosità e l'armonia delle forme ritratte.

In conclusione, più ancora che non quando scatti le tue fotografie, quando riguardi le tue immagini, o quando osservi gli scatti di altri, cerca i tratti caratterizzanti, e cerca di capire se comunicano un messaggio coerente, o no.

Gli elementi a cui fare particolare attenzione sono:

1. I soggetti che sono stati inclusi nell'immagine, l'angolo e la prospettiva da cui sono stati ripresi, e i rapporti spaziali tra un soggetto e l'altro
2. I motivi geometrici che ricorrono nell'immagine, determinati dai soggetti stessi o dai loro raggruppamenti in pattern.
3. I rapporti di luce e colore. L'intensità della luce, la durezza dei contrasti e le tonalità cromatiche che convivono nell'immagine che hai di fronte.

Nel suo insieme, la capacità di rilevare tutte le caratteristiche caratterizzanti di un immagine, e di metterle in relazione tra loro, prende il nome di lettura delle immagini, e rappresenta un po' il crocevia delle capacità di un buon fotografo.

E' qui infatti che si incontrano la capacità analitica che permette di governare la tecnica e la sensibilità che ti fa cogliere gli aspetti più profondi della potenza di un'immagine.

Nella prossima  lezione vedremo insieme come affrontare in modo sistematico la lettura delle immagini tue e di altri. Una volta imparato a riconoscere e isolare gli elementi cardine della struttura di un'immagine potrai previsualizzarli, e sfruttarli consapevolmente nella progettazione delle tue fotografie.